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Foto: Max Wanger

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El conjunto de cámara contemporánea yMusic ha respaldado a ganadores del GRAMMY desde Paul Simon hasta John Legend y St. Vincent. En su nuevo LP homónimo, se revelan como un universo autónomo.

En el transcurso de una década y media, yMusic ha apuntado su flecha hacia los colaboradores, felices de existir principalmente como facilitadores y aumentadores, hasta que Paul Simon tuvo algo que decir al respecto.

"Cada vez que trabajábamos con compositores y bandas, decían 'Entonces, ¿cuándo van a escribir sus propias cosas?'", recuerda la violista del grupo de cámara, Nadia Sirota, a GRAMMY.com. "Y diríamos, 'Oh no, ¿de qué estás hablando?'"

Si sabes música clásica, sabrás que esto es parte del curso. Pero cuando yMusic apareció con Simon en su álbum de 2018 de cortes profundos reinventados, In the Blue Light, "Él dijo: 'Ustedes tienen que descubrir cuál es su voz como conjunto'", dice Sirota. "Lo tomamos en serio".

Con ese aliento del ganador de 16 GRAMMY en su haber, yMusic dividió el tiempo en su calendario de ensayos para escribir, y eso construyó un puente hacia su nuevo álbum autónomo y homónimo de originales, que llegó el 5 de mayo.

YMUSIC ubica al joven sexteto — Sirota, el flautista/vocalista Alex Sopp, el clarinetista Hideaki Aomori, el trompetista CJ Camerieri, el violinista Rob Moose y el violonchelista Gabriel Cabezas — dentro de un marco conciso, enfatizando la cantabilidad innata y el arco dramático de cada composición.

"Un principio organizativo al que volvíamos constantemente era la idea de la forma de la canción, porque casi se sentía ajena a nuestro cuerpo de trabajo de una manera genial", dice Moose, quien ha ganado dos gramófonos de oro, a GRAMMY.com. "Pero también, debido a que hemos colaborado tanto con compositores, nos sentimos como en casa".

Mientras absorbe los aspectos destacados multivalentes de YMUSIC como "Zebras", "Three Elephants" y "Cloud", siga leyendo para obtener una entrevista con Sirota y Moose sobre el viaje creativo de 15 años del grupo, lo que aportan a los cantautores y cómo este trabajo de consolidación llegó a ser.

Esta entrevista ha sido editada para mayor claridad.

El comunicado de prensa de YMUSIC dice que encuentra "al grupo enfocado en descubrir una voz artística propia".

Nadia Sirota:Una cosa muy importante que debes saber sobre el grupo es que hemos existido durante 15 años, pero cada cosa que hemos hecho antes del álbum ha sido una colaboración con otro artista.

Hemos trabajado con un montón de increíbles compositores, bandas y compositores, y ha sido una alegría y un placer trabajar con todas esas personas, pero nunca habíamos creado música original hasta que comenzamos el proceso que resultó en este álbum.

Entonces, ha sido realmente increíble duplicar la creatividad dentro del grupo. Siempre hemos sido bastante prácticos en nuestras colaboraciones con otras personas, y ciertamente súper obstinados, y muy dedicados a la edición, el perfeccionamiento y la reorquestación.

Todo el tiempo, creo que tuvimos una mano muy creadora en estas colaboraciones, pero en realidad nunca hemos hecho música nosotros mismos, así que de eso se trata.

¿Fue esto por diseño en los últimos 15 años? ¿Para aumentar a otros músicos?

Huérfano: Sí, y creo que mucho de eso, honestamente, proviene del hecho de que todos venimos de un entorno bastante clásico a pesar de dónde terminamos en el mundo. En el mundo de la música clásica, lo más común es que seas compositor o intérprete.

Hay algunas personas que hacen las dos cosas de manera explícita, pero si te estás formando como actor, te estás formando como intérprete…. que está trabajando en Brahms y Beethoven y Rebecca Clarke y todo eso.

Incluso si estás haciendo música nueva, estás trabajando con compositores. Tomamos eso cuando nos convertimos en un nuevo conjunto de música joven, como tantos otros conjuntos de música nueva.

robar alce:Siento que nuestra historia de origen, nuestra misión desde el principio, fue sobre el empoderamiento.

Estábamos activos como intérpretes autónomos tanto en la nueva música clásica como en la clásica, pero también trabajando con compositores y bandas. Teníamos mucho respeto por los grupos con los que trabajábamos fuera de la música clásica, y sentíamos que estaban subrepresentados en quién interpretaba su música, o incluso en cómo veían su trabajo colaborativo.

Entonces, creo que en el ADN del grupo estaba esta idea de ayudar a, no elevar con nuestra presencia, sino simplemente animar a estas personas que estaban haciendo un gran trabajo y darle la mejor presentación posible.

Siempre nos interesaron los desvalidos, en cierto sentido, y nos tomó mucho tiempo mirarnos a nosotros mismos de la misma manera: ¿Podemos ayudar a que nuestras propias voces salgan a la luz?

Creo que nos dimos cuenta de que hemos estado entrenando para este momento durante todos estos años y estamos muy emocionados de asumir este nuevo rol.

Huérfano: Otro ángulo de esto es que estas piezas realmente han sido escritas en colaboración. No es como si uno de nosotros viniera con un montón de ideas y repartiera partes y lo descubriera.

En las primeras fases de esto, los seis nos metíamos en una habitación sin nada y solo tratábamos de crear algo, y seis personas son muchas para estar en ese espacio creativo. Creo que todos estábamos encantados de lo bien que funcionó.

Entonces llegó la pandemia. Todos tenían que ir por caminos separados, pero debido a que habíamos forjado esta forma de trabajar juntos, pudimos mantenerla en espacios digitales y descubrir cómo escribir, perfeccionar y grabar en colaboración todo este material.

Estoy íntimamente al tanto de su trabajo en Away de Okkervil River e In the Blue Light de Paul Simon, aunque he escuchado yMusic en muchos otros contextos. ¿Cómo adaptas tu enfoque y metodología a cada artista con el que trabajas?

Alce:Creo que cada colaborador con el que hemos trabajado realmente ha marcado la pauta en la forma en que abordaremos los resultados que buscamos.

Ben Folds y Bruce Hornsby fueron dos personas realmente importantes para nosotros que nos ayudaron a salir de la página y nos alentaron a hacer la tarea y crear las partes, pero también a encontrar la libertad en los shows en vivo o en los estudios de grabación para crear de una manera menos convencional. camino para nosotros.

Paul Simon también lo hizo, pero también fue el más meticuloso a la hora de editar y refinar las ideas. Lo cual tiene sentido, porque si miras su trabajo, sus palabras, las historias, las estructuras de lo que ha creado, la interacción con diferentes estilos y culturas de música, creo que la minuciosidad es algo que nunca imaginarías que sería un ingrediente faltante allí. . Siento que, de alguna manera, nos empujó a estar en el momento, pero también a estar más bajo el microscopio.

Creo que nuestro grupo siempre aborda las colaboraciones de la misma manera: con gran seriedad, alegría y admiración por con quién estamos trabajando. Tomamos pistas de las personas con las que trabajamos sobre lo que funcionará mejor para ellos, así como para su audiencia.

Huérfano:Hemos aprendido a ser adaptables a todos los procesos diferentes, ya sea desde el audio primero o los acordes primero o la notación escrita o simplemente una vibra.

A veces, cuando estoy tratando de crear algo solo, me quedo atascado en mi cerebro crítico y es muy difícil trabajar. Creo que lo bueno de los sistemas que yMusic ha creado para trabajar es que no comienzan desde un lugar crítico, aunque nos volvemos súper críticos.

Alce:Como hay tanta gente en el grupo, uno de los beneficios es que todavía podemos observarnos unos a otros y sacar ideas unos de otros como lo hicieron esos colaboradores con nosotros.

Muchas de las piezas musicales que compusimos para el disco comenzaron casi escuchando a escondidas a nuestros vecinos mientras calentaban, como: "¿Cuál fue ese sonido que acabas de hacer? ¿Cuál es esa técnica que estás haciendo?" Podríamos arrojar luz sobre la idea de otra persona que podría considerar completamente insignificante y superficial, no la base de una composición.

Poder dar testimonio de eso y fomentarlo, eso es algo que aprendimos de nuestros colaboradores; nos ayudaron a ver eso en nosotros mismos, y creo que también les ayudamos a encontrar cosas de esa manera. Entonces, estamos muy emocionados de mantener eso como parte de nuestro proceso.

Como violista y violinista en yMusic, ¿cómo caracterizarían ustedes dos su interacción y cómo funcionarían como engranajes en la máquina musical, tanto entre ustedes dos como con el conjunto como un todo?

Huérfano: Siento que definitivamente hay una cierta cantidad de viola rítmica que a veces toco en el grupo. Están nuestras funciones más obvias, y luego nuestras funciones auxiliares.

En el grupo, las únicas herramientas que tenemos como línea de bajo son el violonchelo y el clarinete bajo, realmente. Entonces, hay formas en las que esos muchachos realmente terminan funcionando de esa manera, y luego, a veces, lo subvertimos por completo. El espectro más amplio del grupo es flautín a clarinete bajo, más o menos. A veces, usamos esa extensión para animarlo un poco. Si queremos agregar un poco de energía, tiraremos algo hacia arriba o hacia abajo de una manera realmente agradable.

Ser violista es algo gracioso, porque siempre estás agregando mantequilla a la salsa. No eres necesariamente el pensamiento principal, hay una manera en la que realmente puedes agregar untuosidad al sonido. Por lo general, solo trato de agregar un poco de textura y emoción.

A veces, Rob y yo estamos en la estratosfera haciendo cuerdas ligeras de discoteca o lo que sea. Hay todo tipo de flexibilidad en la forma en que trabaja este grupo. A veces, tiramos la viola al lado del viento y hacemos que la flauta y el violín hagan cosas con las cuerdas. Realmente hay tantas opciones diferentes con el grupo.

No sé si saben esto, pero la [plantilla de] instrumentación que tenemos no ha existido antes. Entonces, hemos tenido el gran lujo de tratar de descubrir cada cosa que puede hacer, y hay algunas cosas geniales.

A veces, el violonchelo también está en el rango del violín y la viola, así que tenemos esta loca sección de cuerdas altas para la sección del violín, pero compuesta de cosas que están en ese registro, con timbres que son un poco más emocionantes, en mi opinión. mente.

Alce:Creo que, de alguna manera, el papel que tienes, Nadia, es quizás el más diverso del grupo.

Con el violonchelo, puedes formar ese núcleo central de cuerdas bajas, calidez y apoyo. Luego, algunas de mis combinaciones favoritas son cuando emparejamos el clarinete bajo con la viola y la trompa para ese cálido estilo de vida triádico. Entonces, como dijiste, estarás haciendo cosas altas en octavas o al unísono conmigo.

A veces, dos o tres de nosotros podemos representar lo que haría la guitarra o el piano. Me encanta estar en este equipo brillante, a veces, con trompeta y flauta. Parte de mi viaje ha sido aprender a intentar imitar la forma en que terminan sus notas, que es tan abrupta en comparación con la forma en que terminan nuestras notas.

yMúsica. Foto: Max Wanger

¿Cuáles fueron las ideas centrales que dictaron el marco de YMUSIC?

Alce: No empezamos con la intención de escribir un disco, necesariamente. Fue más un compromiso averiguar qué pasaría si nosotros seis, 13 años después de nuestro viaje, decidiéramos componer en colaboración en tiempo real sin hojas de trucos, sin preparación, sin colaboradores.

Huérfano: Cualquier cosa puede inspirar el comienzo de algo, y luego el material en sí mismo dicta dónde termina teniendo que ir. A menudo, nos dispusimos a hacer algo que no estaba donde terminamos, pero que nos llevó a otro lugar que era realmente genial. Creo que esa es la naturaleza de la escritura.

MÚSICA realmente respira como una experiencia auditiva; está bastante bien secuenciado, en mi opinión, y el drama parece expandirse y retraerse.

Huérfano: Ese era ciertamente el objetivo, y diré que teníamos mucho material para este álbum. Reunir todo de una manera que se sintiera emocionante y amable para el oyente era el objetivo.

Lo que pasa con nosotros seis es que podemos entrar en esta cosa de hiperlenguaje gemelo donde seguimos queriendo dorar el lirio y seguir queriendo trabajar. Probablemente podríamos reescribir obsesivamente cada una de estas canciones hasta que muramos, si quisiéramos.

Alce:Tenemos piezas allí que se sentían como anclas a las que quieres llegar en diferentes momentos, como "Baragon", "The Wolf" y "Three Elephants", las vigas estructurales que son [vías] uno, cuatro y siete.

Creo que fue importante terminar con la pieza "Cloud", la última pieza en la que trabajamos juntos en la sala antes de que comenzara la pandemia. La idea de esa pieza era tratar de introducir algo positivo, relajante y enriquecedor en un momento de incertidumbre.

Huérfano: Curiosamente, "Baragon" es una de las cosas más recientes que escribimos. Por lo tanto, enmarcamos el álbum con estos dos trabajos que fueron importantes para nosotros en el proceso de escritura y descubrimos una manera de llegar del punto A al punto B.

A medida que avanza el 2023, ¿qué se está trabajando para yMusic y qué le gustaría hacer eventualmente?

Alce:Pudimos tocar el disco completo por primera vez en el Carnegie Hall en enero, lo cual fue muy emocionante.

Sé que estamos ansiosos por presentar más el trabajo, especialmente el concierto que hicimos, la primera mitad es música que compusimos, y luego la segunda mitad son dos estrenos de dos compositores que realmente admiramos.

Creo que es importante] escuchar nuestro trabajo junto con trabajos como ese, y no separarlos y decir: Lo hicimos antes, estamos haciendo esto ahora, pero ser como, Todas estas cosas son quienes somos.

Huérfano: Tenemos algunas colaboraciones próximas de las que aún no podemos hablar. Entonces, hay cosas del lado del compositor que se filtrarán.

Las cosas del lado del compositor de las que podemos hablar son: estamos emocionados de grabar pronto este nuevo trabajo principal de Andrew Norman, y una nueva pieza de Gabriela Smith que llegará en la próxima temporada más o menos. Además de esto, vamos a sacar más tiempo para escribir más cosas.

Lo bueno de este grupo, que siempre ha sido así, es que no es lo único que se supone que debemos hacer. Siempre lo hemos tratado como una parte extremadamente importante de nuestras vidas, pero todos también hacemos otras cosas creativas, y no todas están en el mismo ámbito.

Entonces, siento que algo bueno es que cuando nos reunimos, siempre venimos con una nueva perspectiva.

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Los nominados al 58.° GRAMMY Brittany Howard, Shawn Everett, Blake Mills y otros cuentan la historia interna de Sound & Color, nominado al Álbum del año

Boys & Girls de Alabama Shakes fue uno de los debuts más conmovedores y célebres de 2012, pero pocos anticiparon el grado en que la líder Brittany Howard y sus compañeros sureños subirían la apuesta en Sound & Color. La evolución de la banda obtuvo cuatro nominaciones al 58º GRAMMY, incluyendo Álbum del año y Mejor álbum de música alternativa.

Con un sonido espacioso y evocador que desafía las barreras de género, Sound & Color de Alabama Shakes fue escrito y grabado en el transcurso de un año, tiempo durante el cual Howard se encerraba en su sótano con un alijo de barras de granola para maratones de composición de 12 horas. . La mayoría de las canciones se grabaron durante cuatro sesiones de dos semanas en Sound Emporium en Nashville, Tennessee, seguidas de una sesión final de grabación y mezcla en Ocean Way Recording en Los Ángeles. El proceso incluyó grabar las vibraciones del horno, colorear libros terapéuticos y escapar a un mundo de la propia creatividad.

A continuación, Howard y otros participantes clave detrás de la colección que encabeza las listas de éxitos cuentan la historia interna de Sound & Color de Alabama Shakes.

Brittany Howard (artista/coproductora): En lugar de decir que este disco es muy, muy diferente, diría que es más evolucionado. Grabar Boys & Girls Part 2 hubiera sido muy aburrido para mí. Tuvimos mucho tiempo para aprender más, para aprender diferentes tipos de música y, por supuesto, nuestros gustos siempre están creciendo. Así que este disco fue mitad mirando hacia adelante y mitad mirando hacia atrás. Fue como, "Siempre quise hacer esto. Siempre quise un vibráfono, siempre quise arreglar una sección de cuerdas". Pero solo puedo tocar algunos instrumentos, así que cuando estaba haciendo una demostración de una canción como "Gemini", todo estaba en los teclados. Y luego íbamos al estudio y teníamos que descubrir cómo mapear eso en toda la banda.

Shawn Everett (ingeniero/mezclador): Siempre me gustó mucho "Gemini". En la demostración inicial, Brittany tenía esta loca armonía digital en su voz y la hacía sonar como un dios. Ya suena como un dios, así que era como un dios multiplicado por dos. También intentamos aproximarnos a ese efecto en nuestra versión. También me encanta la guitarra loca que sigue apareciendo de la nada en esa canción.

Blake Mills (coproductor): En general, la banda sentía que su amplia gama de influencias no se estaba abriendo paso necesariamente en su propia música. Su sonido anterior a este disco se sintió como un intento de capturar el sonido en vivo de la banda, como si te acercaras a grabar una orquesta. Muchos de los discos que aman no suenan como una grabación del ensayo de un artista, sino más bien como un intento de transportar a sus oyentes a un mundo creado por ellos mismos.

Howard: Definitivamente lo estaba inventando a medida que avanzaba. Yo estaba como, "Está bien, quedan cuatro días antes de que entremos al estudio. ¿Cuántas canciones tengo listas?" A veces serían dos y otras veces ninguno. Y ahí es cuando bajaba a mi sótano y seguía escribiendo canciones sin tomarme un descanso. He trabajado mucho en [mi sótano], pero todavía hay un murciélago que vive allí, y hay una pequeña familia de ratones. Así que no estaba solo.

Rob Moose (arreglista de cuerdas): El principal desafío al que nos enfrentamos fue no hacer que [el álbum] se sintiera como "Alabama Shakes más cuerdas". Ciertamente, la idea no era tener campanas y silbatos, o algo que simplemente suene caro, o incluso jugar un papel muy importante en la expresión emocional del disco, como pueden hacer las cuerdas. Realmente era un "trabajo detallado" lo que queríamos hacer, y estoy orgulloso de algunos de los toques, especialmente los que la mayoría de los oyentes no saben que son cuerdas.

Everett: Además de las increíbles partes de cuerdas de Rob Moose, hay varios momentos en los que crees que estás escuchando cuerdas pero en realidad son vibraciones de hornos u otros extraños sonidos acústicos traqueteando. Las frecuencias individuales se han fundido y distorsionado para que suenen como una sección de cuerdas o alguna otra textura de otro mundo.

Howard: Cuando estás en el estudio, puedes estar escuchando a alguien golpear una caja durante aproximadamente una hora y media. Entonces, mientras eso sucede, estamos haciendo libros para colorear, ya sabes, libros para colorear para adultos, no para colorear para niños, no El Rey León, y estamos haciendo arte, y nos sentaremos en el salón a escribir canciones country. Y a veces, antes de que comenzara la sesión, íbamos allí y grabábamos canciones country. Luego entraba Blake y decíamos: "¡Está bien, de vuelta al trabajo!".

Mario Hugo (diseñador de arte/productor de video): El sello me hizo entrar y escuchar la nueva música, y me atrapó de inmediato. Era muy visual, enigmático y espacial, pero también honesto y crudo. Y desafiante también. Escuché las mezclas finales durante todo el proceso de diseño, lo cual es extremadamente raro. Puedo decir que Sound & Color fue, musicalmente, uno de mis álbumes favoritos para trabajar.

Mills: Creo que es muy inusual en estos días encontrar una banda de gran éxito que pueda ser tan valiente para desafiar a su audiencia. No simplificamos nada, nadie pareció dudar de sus convicciones y sus fans realmente han dado un paso al frente y han apoyado esa valentía.

Moose: La banda tenía algunos amigos que visitaban el estudio y cocinaron un festín sureño, que en realidad fue increíble. Nunca había visto comida casera en el estudio, y la vibra de ese día resumió las cualidades conmovedoras y realistas de la banda para mí.

Howard: Solo somos un grupo normal de personas que creen en escribir y hacer algo. Y honestamente, fue realmente desde un punto de diversión. No era para hacerse famoso ni nada por el estilo. Queríamos tocar en conciertos, ese era nuestro objetivo, pero no teníamos dónde tocar. Así que es una locura ahora que estamos nominados para [un álbum del año] GRAMMY. Es notable y realmente divino, creo. Pero también trabajamos muy, muy duro para llegar aquí. Y no dejaré que algo como esto me haga relajarme.

Bill Forman es escritor y editor musical de Colorado Springs Independent y ex director de publicaciones de The Recording Academy.

Sintonice la 58.ª Entrega Anual del GRAMMY en vivo desde el Staples Center en Los Ángeles el lunes 15 de febrero a las 8 p. m. ET/5 p. m. PT por CBS.

Foto: Le3ay

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Después de tres años de preparación, Madison Beer comenzó su próximo capítulo con "Home to Another One", el primer sencillo de su segundo álbum. La cantante detalla su viaje "liberador" para crear 'Silence Between Songs'.

En la era viral actual, las personalidades de Internet no siempre son difíciles de encontrar. Pero lo que no es tan fácil de encontrar es una personalidad de Internet con longevidad, y Madison Beer ha demostrado que es más que una estrella viral fugaz.

Beer comenzó a publicar versiones de canciones en YouTube en 2012, mostrando su destreza pop y su voz etérea a la edad de solo 13 años. Ella pasó brevemente por la trayectoria de una estrella del pop adolescente después de que Justin Bieber la firmó con Island Records ese mismo año, pero primero la encontró. verdadera voz musical en su EP debut, As She Pleases de 2018. Y una vez que tomó el control total con su álbum debut, Life Support de 2021, coescribiendo y coproduciendo las 17 canciones, se instaló por completo en Madison Beer, la artista.

Ahora que está a punto de lanzar su segundo álbum, Silence Between Songs (que saldrá el 15 de septiembre a través de Epic Records), Beer pretende ampliar la mezcla de vulnerabilidad inquebrantable y melodías contagiosas que ha exhibido desde que entró en la suya. Primero dio una muestra de eso con "Home to Another One", una pista aireada que es una mezcla de Lana Del Rey y Tame Impala, dos de sus mayores inspiraciones, la primera de las cuales incluso le dio comentarios a Beer sobre el álbum.

La aprobación de Del Rey es una de las muchas razones por las que Silence Between Songs es especial para Beer, junto con el hecho de que una vez más coescribió y coprodujo cada canción. Pero quizás el aspecto más importante del proyecto es la libertad que encontró durante el proceso de casi tres años.

"Como artista, a veces nos dicen que si nos tomamos un descanso, alguien te reemplazará, alguien vendrá justo detrás de ti", dice Beer. "Ya no me suscribo a eso, y creo que ha sido algo realmente liberador".

Beer habló con GRAMMY.com sobre cómo el hecho de estar más arraigada en su vida personal inspiró la nueva música y por qué, a pesar de su fama en línea, "a veces le tiene bastante miedo Internet".

Felicitaciones por el lanzamiento de "Home to Another One" y el anuncio del álbum. Me imagino que es estresante porque uno nunca está realmente seguro de cómo se percibirán las cosas. ¿Cómo es finalmente empezar a sacar todo?

"Home to Another One" en realidad lo hice hace apenas seis meses, por lo que fue una de las últimas adiciones al álbum antes de entregarlo. No ha sido un proceso de espera tan doloroso como los otros. Pero creo que la revelación del título del álbum fue en realidad la más intensa para mí. He estado sentado en él durante tres años, por lo que tenerlo ahí se siente bastante surrealista. Pero las respuestas de la gente han sido muy positivas y la gente se siente emocionada, por lo que estoy muy agradecido.

Es un sonido un poco nuevo para mí; tiene una energía diferente a mis otras canciones. Pero los verdaderos fans que escuchan mis entrevistas o me ven de gira, saben que mi catálogo musical de cosas que escucho es bastante eléctrico o diferente; No hay un solo género que me encante. No hay nada que pueda hacer que realmente los sorprenda, porque saben que amo todo tipo de música.

Los títulos de los álbumes, y los títulos en general, siempre son complicados. Cuéntame cómo se te ocurrió el tuyo, Silence Between Songs?

Era muy joven cuando vi por primera vez un poema o un libro sobre este tipo de idea. Se trataba de extrañar a alguien, y decía "Te extraño mucho en el tiempo que tarda en comenzar la siguiente canción".

Siempre pensé que era un concepto genial y quería hacer algo con esa idea para mi álbum debut. Pero cuando empezamos a crear el álbum en 2020, la canción "Silence Between Songs" fue una de las primeras que creamos, así que fue el primer título que tenía en mente. Trabajamos a partir de eso, y ahora, tres años después, tiene un significado adecuado para mí. He crecido mucho desde que comencé a crearlo, y el álbum realmente trata sobre cómo puedes crecer al desconectarte del ruido.

Es un testimonio del título que se quedó con él durante tres años y nada lo superó. ¿Cómo te has dado cuenta de que te tranquilizas y te desconectas del ruido?

Definitivamente, el título no ha sido negociable para mí desde entonces. Pero después de la gira, es difícil descomprimirse y calmarse. De hecho, me costó mucho volver de mi última gira y volver a la realidad; estás tan locamente ocupado, y es un gran golpe de dopamina todos los días. Me costó un poco volver a sentarme, pero es en esos momentos cuando más aprendo sobre mí.

Ahora priorizo ​​mi tiempo a solas y mi tiempo libre; Dejo que mi cuerpo descanse y no me siento presionado a salir y hacer cosas todo el tiempo. Si quiero quedarme en casa y relajarme en la cama todo el fin de semana, lo haré. Estoy tratando de entender y no sentirme culpable por el tiempo de inactividad y los tiempos de descanso.

Como artista, a veces nos dicen que si nos tomamos un descanso, alguien te reemplazará, alguien vendrá justo detrás de ti. Ya no me suscribo a eso, y creo que ha sido algo realmente liberador.

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¿Es por eso que sentiste que tenías que seguir adelante?

Creo que en el pasado era eso de si las personas con las que trabajaba o las personas en línea; esta noción de que siempre va a estar dispuesto a hacer más que tú y hacer todo, y si no lo haces, te reemplazarán. Ese fue un miedo real que tuve durante mucho tiempo. Sin embargo, ya no dejo que eso suceda. Me sacaron de un sello y me reemplazaron, así que el miedo es real, y durante mucho tiempo tuve bastante miedo de eso. Pero ya no lo soy.

¿Alguna vez te preocupa revelar demasiado o muy poco de ti mismo? Como artista, demasiado puede parecer compartir demasiado; pero demasiado poco, no estás siendo totalmente honesto. ¿Dónde está el equilibrio para ti y cómo lo has alcanzado?

Definitivamente es interesante discutirlo, porque en esta era de las redes sociales, muchos de nosotros tenemos esta presión de ser identificables y agradables. Pero, de nuevo, no me presiono a mí mismo, porque creo que no soy el tipo de persona que se despierta todos los días y siente la necesidad de hacer un video sobre estas cosas personales. Estoy dispuesto a hacerlo cuando me da la gana, pero siento que no es auténtico obligarte a hacerlo solo para agradar. Así que trato de publicar solo cuando tengo ganas. Creo que mis fans me conocen y mis fans me aman. No necesito ganarme los corazones del público en general para difundir mi música y ser recibido. No quiero obligarme nunca a hacer algo que no quiero hacer.

"Home to Another One" es un himno melancólico con una ruptura. Me pregunto cuál fue el origen de esa canción.

Bueno, pensé: "¿Cuál es mi sonido pop?" En el pasado, cuando hice canciones alegres, tal vez no fueron tan auténticas para mí, o canciones que no me subiría al auto ni querría escuchar. Así que pensé: "¿Qué puedo hacer que sea alegre y divertido, pero que siga siendo yo y no me venda para hacer una canción clasificada como optimista?"

Cuando la escuché, en cuanto a la voz, me recordó mucho a Lana Del Rey. ¿Sería justo decir eso?

Definitivamente. Soy un gran admirador suyo y siento que está integrada en mí de maneras que ni siquiera puedo precisar.

Cuando estás escribiendo música, como coproductor, ¿sabes dónde van a ir tus canciones desde el principio? ¿Cuál es tu proceso?

Soy coproductor de todas las canciones, lo que ha sido otro gran esfuerzo mío. Tengo la suerte de trabajar con mi increíble productor Leroy Clampitt, que está dispuesto y ansioso por escuchar mi opinión y quiere que coproduzca todo.

No está realmente calculado, no lo creo. Realmente fluye. Es un fastidio que no tuviéramos una cámara en la habitación cuando lo estábamos haciendo, porque estaba realmente involucrado en cada sonido que escuchas. Mi relación con Leroy es realmente especial porque puedo hacer un sonido como mmmmm y él sabrá a lo que me refiero. Todo está muy meticulosamente planeado, pero no es como, "Quiero este tipo de sintetizador". Dejamos que la canción fluya. y construir sobre la marcha.

Muchos artistas se acreditan como coautores de canciones, pero no muchos se acreditan como coproductores. ¿Por qué fue importante para ti ser acreditado como coproductor de tus propias canciones?

Trabajando con el mismo productor durante más de cinco años, siento que puedo expresar mi opinión y que no sea extraño. Leroy fue el que tuvo la amabilidad de decir que pensaba que debería obtener un crédito de coproductor. Él dijo: "Tú has hecho tanto como yo". Todas las ideas provienen de mí y de nosotros, y hacemos todo juntos.

Tu álbum debut salió hace un par de años y empezaste a trabajar en este en 2020. ¿Por qué un proceso tan largo?

No se suponía que fuera. El tiempo se te escapa, y definitivamente volví al estudio muchas veces para rehacer cosas y editar. Hemos tenido varias pruebas de prensado del vinilo, y muchas veces pensé que estaba terminado y luego volví a entrar.

No sé, siento que así es como soy. Nunca estoy demasiado satisfecho. Pero mi objetivo ahora es tratar de sacar un álbum dentro del próximo año después de que salga este. Quiero entrar en el ritmo de lanzar música con más frecuencia y no tomar brechas de tres años entre todos ellos.

Tienes una huella masiva en Internet, con 34 millones de seguidores solo en Instagram. ¿Es un seguimiento así un regalo o una carga? ¿Cómo lidias con eso en tu mente sabiendo que puedes levantar tu teléfono y publicar algo para una audiencia de millones?

He estado obteniendo flores de manera constante durante 12 años, por lo que es algo que no me sucedió de la noche a la mañana. Hay una gran diferencia en la forma en que lo hago ahora que hace un par de años. No me obligo a estar comprometido todo el tiempo o publicar todos los días.

De hecho, a veces me aterroriza Internet. La forma en que se mueve puede dar mucho miedo y creo que no nos damos espacio para cometer errores humanos. Si expreso una opinión en línea o quiero decir algo, no es que no me importe lo que la gente diga al respecto, pero sé que mis intenciones sí lo son. Nunca voy a apelar y complacer a todos, pero sé cuándo quiero hablar y compartir, es auténtico y proviene de un buen lugar.

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Foto: Cortesía de Mathew V

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El cantante emergente de jazz-pop Mathew V le da un giro a "Georgia on My Mind" de Ray Charles, uno de los muchos éxitos clásicos que cubrió en su último álbum, 'Anything Goes'.

Hace más de 60 años, la leyenda musical Ray Charles mantuvo a Georgia en nuestras mentes con una versión inolvidable de la canción original de Hoagy Carmichael, que encabezó legítimamente las listas de éxitos de Billboard y ganó dos gramófonos dorados en los GRAMMY de 1961.

"Dije, Georgia, oh, Georgia/ No encuentro paz/ Solo una vieja y dulce canción/ Mantiene a Georgia en mi mente", canta Charles en el coro de la canción. "Otros brazos se extienden hacia mí/ Otros ojos sonríen tiernamente/ Aún así, en sueños pacíficos, veo/ El camino conduce de regreso a ti".

En este episodio de ReImagined, el cantante pop emergente Mathew V ofrece su interpretación de "Georgia on My Mind". Aunque Mathew V se mantiene fiel a la grabación original de Charles, hace que la canción sea propia con su tono vocal suave y sus ejecuciones ágiles.

"Georgia on My Mind" es una de las muchas canciones que Mathew V interpretó en su último proyecto, Anything Goes, que también incluye reimaginaciones jazzísticas de otros clásicos como "At Last" de Etta James y "Don't Rain on My Parade" de Barbra Streisand. ." Traerá sus estilos de jazz al escenario el 6 de agosto, cuando realizará un espectáculo de una sola noche en su ciudad natal en Frankie's Jazz Club en Vancouver, Canadá.

Presiona reproducir en el video de arriba para ver la conmovedora interpretación de Mathew V de "Georgia on My Mind" de Ray Charles, y vuelve a GRAMMY.com para ver más episodios nuevos de ReImagined.

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Foto: Dutty Vanier

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Celebrado del 7 al 13 de junio en varios cines de la ciudad de Nueva York, el Festival de Cine de Tribeca presentará más de 20 emocionantes películas musicales, desde cortometrajes hasta documentales y biopics. Siga leyendo para conocer algunas de las proyecciones más emocionantes del festival.

El Festival de Cine de Tribeca anual está repleto de películas independientes aclamadas por la crítica, cortos provocativos y documentales innovadores: en la edición de 2023, la música está en el corazón de muchas categorías.

Celebrado del 7 al 13 de junio en varios teatros de la ciudad de Nueva York, el Festival de Cine de Tribeca presentará emocionantes películas musicales que abarcan todos los géneros. Hay más de 20 proyecciones relacionadas con la música en el festival, incluidos cortometrajes y videos musicales como Lizzo's Special, junto con películas que abordan subculturas y biopics perspicaces sobre Gloria Gaynor, Cyndi Lauper, Carlos Santana, Indigo Girls y Biz Markie.

Los largometrajes incluyen Lost Soulz, un drama ambientado en una banda sonora de hip-hop de baja fidelidad y protagonizado por el rapero Suave Sidle; una película de concierto de la extravagancia musical de Taylor Mac, que muestra tres décadas de historia social estadounidense con una orquesta de 22 piezas y una gran cantidad de invitados especiales. También se muestra la legendaria película de hip-hop Wild Style, y una narración tensa de la controversia de Milli Vanilli con Frank Farian que finalmente condujo a la desaparición del dúo. Algunos de los artistas destacados también actuarán en vivo luego del estreno de sus películas.

Acompañando a la lista de películas hay charlas de estrellas de la música como Chance the Rapper, Lin-Manual Miranda, Hailee Steinfeld y Diplo, todos ofreciendo su experiencia individual y sus conocimientos de la industria, y proyecciones de videos musicales que incluyen Lizzo's Special y Lunarcode's The Light. Un salón de música también albergará actuaciones de Tei Shi, Frost Children, LuNika, Habibi y Sussan Deyhim.

Antes del festival, GRAMMY.com reunió algunos de los documentales y largometrajes musicales más emocionantes.

Con su estreno mundial en Tribeca, este documental nos lleva tras bambalinas del campamento de composición de canciones de mujeres de Alicia Keys, She Is The Music. Dirigida por la cineasta ganadora del premio Emmy Beth Aala, esta película explora las dificultades de ingresar a la industria de la música como una mujer de color.

Keys actúa como mentora, guiando a los compositores a través de presentaciones en vivo y sesiones de escritura íntimas, además de hablar sobre las dificultades que experimentó en el futuro. Sin embargo, son los participantes del campamento los que ocupan un lugar central en este documental, incluidos Ayoni, nacido en Barbados, y DaVionne, nativo de Atlanta.

La noche del estreno, algunos de los participantes del campamento actuarán en un espectáculo curado por Alicia Keys.

La legendaria cantante de música disco Gloria Gaynor comparte la historia de su vida en esta nueva película biográfica, y describe no solo sus éxitos históricos, sino también sus luchas a lo largo del camino. Desde el lanzamiento de la canción que la colocó en los libros de historia, "I Will Survive", la vida de Gaynor se vio arruinada por problemas de salud y su exmarido abusivo. Ahora, a los 76 años, está lanzando un nuevo álbum de gospel y podemos acompañarla en el viaje.

La propia Gloria Gaynor actuará después del estreno del documental.

Cuando los jamaiquinos emigraron a la ciudad de Nueva York en los años 80 y 90, trajeron consigo un catálogo de cultura, desde música y baile hasta comida e idioma. De particular interés fue la importación de la música dancehall, un género que se elevó en la ciudad y, eventualmente, en el resto del país y el mundo.

En este documental, escuchamos la historia del dancehall contada a través de algunos de los rostros más reconocibles del género: Sean Paul, Shaggy, Ding Dong, Kool Herc y más. Junto con sus anécdotas, el público verá imágenes de archivo nunca antes vistas para ayudar a contar la historia de cómo el dancehall viajó desde Kingston a la Gran Manzana y cómo ha inspirado a generaciones, incluso en el hip hop, que celebra su 50 aniversario este año.

Tras el estreno, habrá una actuación de leyendas del dancehall.

Este largometraje cuenta la historia de Sol (interpretado por el rapero Suave Sidle), quien se une a un grupo de hip-hop y viaja por Texas con la esperanza de encontrarse a sí mismo. Crea, produce y actúa con un grupo que también son raperos en la vida real.

Si bien la mayor parte de la película tiene un guión, la directora Katherine Propper también les dio a los actores libertad y espacio para improvisar. Con una banda sonora de hip-hop de baja fidelidad, el efecto es uno de comodidad nebulosa y momentos que te toman por sorpresa. Lost Soulz se trata de encontrar un hogar en cualquier forma que sea, y buscar alcanzar tus sueños sin saber exactamente cuáles son.

La cineasta Alexandria Bombach ha adorado a Indigo Girls desde su adolescencia y es parte de un público global que se siente atraído por la música liberadora del dúo de folk-rock.

En esta oda documental, las integrantes Emily Saliers y Amy Ray comparten su historia de éxito que abarca décadas de elogios impresionantes, incluida la venta de 15 millones de discos. Pero también destaca las dificultades que enfrentaron como mujeres y lesbianas dentro de una industria musical misógina y homofóbica, y cómo esto se filtró en su vida y trabajo más amplios.

¿Sabías que el Himno Nacional de Estados Unidos está basado en una antigua canción británica? En este documental, los músicos y productores Kris Bowers y Dahi viajan por los EE. UU. para descubrir cómo podría sonar un himno nacional inspirado en la rica mezcla de géneros musicales de los Estados Unidos.

A medida que cruzan el país, exploran y hablan sobre Motown en Detroit, blues en Clarksdale, música country en Nashville, jazz en Nueva Orleans, música y baile nativo americano en Tulsa y música latina en San Francisco. Con toda esta información, conocimiento e infusión de experiencia cultural, se dispusieron a grabar un nuevo himno que tiene como objetivo reflejar la América de hoy.

Tierra Whack saltó a la fama a los 15 años después de que un video de su estilo libre rapeando en las calles de Filadelfia acumuló miles de visitas. A medida que se convirtió en un elemento básico en el mundo del rap, el director Chris Moukarbel quería documentar su viaje.

Comenzó a filmar en sus conciertos y en el set de sus videos musicales para capturar el viaje detrás de escena. Una noche, una extraña interacción con un fan llevó a Tierra y su equipo por un camino involuntario hacia teorías de conspiración en torno a la industria de la música dirigida por un pequeño grupo de élites. En este pseudo-documental, nos vemos obligados a cuestionar todo: ¿Qué es real, quién cuenta esta historia y qué debemos creer?

Taylor Mac es una extraordinaria artista multipotencial cuyo extenso trabajo teatral incluye esta versión condensada de una actuación musical de 24 horas filmada en St. Ann's Warehouse de Brooklyn. Es un intento de resumir la historia de la música de Estados Unidos desde 1776 hasta la actualidad. Taylor Mac es la estrella del espectáculo, pero cuenta con el apoyo de una gran cantidad de otros increíbles artistas, cantantes, músicos y más. Capturada por los renombrados cineastas Rob Epstein y Jeffrey Friedman, esta es una extravagancia deliciosamente queer, glamorosa y desenfrenada.

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